Le collectif réunit Maya Varichon El Zanaty, commissaire et productrice ancrée dans les scènes africaines et internationales, et Nicolas Faubert (Kryzastyle), artiste multimédia, danseur et pédagogue franco-gabonais dont la pratique puise dans la culture hip-hop, le corps comme archive et l'accessibilité comme enjeu politique. Deux trajectoires qui se rencontrent sur un même refus : celui de séparer l'art de ceux qui en ont le plus besoin.

The collective brings together Maya Varichon El Zanaty, curator and producer rooted in African and international art scenes, and Nicolas Faubert (Kryzastyle), a Franco-Gabonese visual artist whose practice draws from hip-hop culture, the body as archive, and accessibility as a political stake. Two trajectories that meet on a shared refusal: to separate art from those who need it most.

C'est un lieu qui se pense dans son contexte, à différentes échelles, du micro-local au global. Habiter le monde, c'est ici avant tout habiter la ville et plus encore se déployer à travers un ancrage dans le quartier qui nous accueille : à la lisière de la Gueule Tapée et de la Médina de Dakar. Ici, l'art se confond avec la vie, la ville s'invite à l'intérieur tandis que l'art déborde dans l'espace public. C'est un espace poreux, réceptif au monde environnant, un espace de convivialité où se brancher à l'Afrique contemporaine.

It is a place that thinks itself in its context, at different scales, from the micro-local to the global. To inhabit the world here means above all to inhabit the city — and more specifically to unfold through an anchoring in the neighbourhood that welcomes us: at the edge of Gueule Tapée and the Médina of Dakar. Here, art blends with life, the city enters inside while art spills into public space. It is a porous space, receptive to the surrounding world, a space of conviviality where one connects to contemporary Africa.

Ce projet de recherche-création procède par fabulation critique : raconter une histoire que les archives officielles n'ont pas consignée, ré-agencer et rejouer les traces disponibles pour rendre visible ce qui lui échappe. Il met en résonance des archives égyptiennes, des objets anthropologiques et des œuvres d'artistes contemporains africains et afro-diasporiques afin de dessiner une archéo-géographie spéculative — un contre-récit au récit eurocentrique et euro-évolutionniste, qui révèle, par-delà la diversité des périodes et des géographies, un continuum historique et culturel, une grammaire visuelle et symbolique commune.

Ce projet s'intéresse aux talismans en tant que cosmo-techniques au sens de Yuk Hui — l'unification du cosmos et de la morale à travers des activités techniques — technologies métaphysiques ancestrales dont les savoirs ont circulé de façon fugitive, portés dans l'opacité des rituels, des langages visuels codifiés, des formes orales et performatives, comme autant de stratégies de préservation et de résistance à la puissance épistémicide de la modernité occidentale. Développé en co-direction avec le philosophe Mohamed Amer Meziane (Brown University).

This research-creation project proceeds by critical fabulation: telling a story that official archives have not recorded, re-assembling and replaying available traces to make visible what they conceal. It brings into resonance Egyptian archives, anthropological objects and works by contemporary African and Afro-diasporic artists in order to draw a speculative archaeo-geography — a counter-narrative to the Eurocentric and Euro-evolutionist account, which reveals, across the diversity of periods and geographies, a historical and cultural continuum, a shared visual and symbolic grammar.

This project engages with talismans as cosmo-techniques in the sense of Yuk Hui — the unification of cosmos and morality through technical activities — metaphysical ancestral technologies whose knowledges have circulated in fugitive ways, carried in the opacity of rituals, codified visual languages, oral and performative forms, as so many strategies of preservation and resistance to the epistemicidal power of Western modernity. Developed in co-supervision with philosopher Mohamed Amer Meziane (Brown University).

Prenant forme à travers différentes densités de matière — de la terre cuite à la forge, de la photographie au son — Souffles rassemble dans une exposition collective les travaux d'artistes compagnons de route, invités à habiter et à éclairer de leur présence l'espace intimiste de la Bibliothèque Terme Sud. Les créatures sculptées par Seyni Camara sont des émanations du souffle de la Terre. Cléophée R. Moser offre des bains de purification, distille l'énergie des pigments, communique avec l'eau. Laeila Adjovi retrace les fils qui tissent la résistance des cultures à travers la transmission des musiques spirituelles sur les routes de l'Atlantique Noir. Arts visuels, performances, arts soniques et jam sessions.

Taking shape through different densities of matter — from terracotta to forge, from photography to sound — Souffles brings together in a group exhibition the work of longtime fellow-traveller artists, invited to inhabit and illuminate with their presence the intimate space of Bibliothèque Terme Sud. Seyni Camara's sculpted creatures are emanations of the Earth's breath. Cléophée R. Moser offers purification baths, distils the energy of pigments, communicates with water. Laeila Adjovi retraces the threads weaving cultural resistance through the transmission of spiritual music along the routes of the Black Atlantic. Visual arts, performances, sonic arts and jam sessions.

Entre la fin du XIXe et le début du XXIe siècle, l'Afrique et sa diaspora ont produit des textes interprétatifs d'une puissance rare. Ces textes — idéologiques, scientifiques ou littéraires — participent de ce qu'Achille Mbembe a appelé les « écritures africaines de soi ». Cette première saison des BookShows s'articule autour de quelques-uns des plus puissants d'entre eux : étapes charnières du chemin parcouru par « la Raison Noire », rayons d'une archive à la lumière de laquelle le présent livre son sens. Lectures critiques, installations artistiques, archives et éléments sonores composent une bibliothèque subjective, interprétative, vivante.

Between the late 19th and early 21st centuries, Africa and its diaspora produced interpretive texts of rare power. These texts — ideological, scientific or literary — partake in what Achille Mbembe has called "African writings of the self." This first season of BookShows is built around some of the most powerful among them: pivotal stages in the path traced by "Black Consciousness," shelves of an archive in whose light the present yields its meaning. Critical readings, artistic installations, archives and sonic elements compose a subjective, interpretive, living library.

Apprendre à regarder, lire, écouter, questionner, transformer, réinventer le monde qui nous entoure, décrypter les enjeux politiques, sociaux, économiques, environnementaux, sociétaux qui conditionnent les individus dans leur vie quotidienne : Lieu Commun engage une exploration du territoire urbain comme espace d'expérimentation, d'éducation et de recherche à travers l'art, grâce à autant de pratiques que la vidéo, la photographie, l'architecture, la cartographie, la création sonore, les arts plastiques, la performance, l'écriture, la collecte d'archives et la réalisation de films d'animation.

Projet de long terme à l'initiative de Kakatar Studio, en collaboration avec les Ateliers Graphoui, soutenu par la Délégation Wallonie-Bruxelles et la GIZ. Lieu Commun a notamment été programmé dans le cadre d'Urbi, Biennale Dak'Art 2018, et a donné lieu à la publication Niaye Thioker, Lieu Commun : La prairie des perdrix aux Éditions Vive Voix (Dakar–Bruxelles, 2019).

Learning to look, listen, question, transform and reinvent the world around us. Urban territory as a space for experimentation and education — video, photography, cartography, sound creation, visual arts, performance, writing, archive collection. A long-term project initiated by Kakatar Studio, in collaboration with Ateliers Graphoui, supported by the Wallonie-Bruxelles Delegation and the GIZ. Lieu Commun was notably programmed as part of the Urbi programme at the Dak'Art Biennial 2018, and gave rise to the publication Niaye Thioker, Lieu Commun: La prairie des perdrix, Éditions Vive Voix (Dakar–Brussels, 2019).

Festival pluridisciplinaire et international, Interférences accueille en résidence des artistes d'Afrique et d'ailleurs pour développer des scénographies urbaines et interventions artistiques in situ : du street art à l'urbanisme, de la performance participative aux installations collectives, de l'art d'investigation à l'anthropologie urbaine. La ville devient terrain de jeu et laboratoire, où l'art replacé au cœur de la fabrique sociale génère de nouvelles formes du vivre ensemble. Incubateur de synergies artistiques, culturelles et sociales, Interférences mobilise citadins, publics et artistes autour de projets activateurs de création collective, vecteurs de dialogue et foyers de nouvelles pratiques.

A multidisciplinary international festival, Interférences hosts artists in residence from Africa and beyond to develop urban scenographies and in situ artistic interventions: from street art to urban planning, participative performance to collective installations, investigative art to urban anthropology. The city becomes a playground and laboratory, where art placed at the heart of social fabric generates new forms of living together. An incubator of artistic, cultural and social synergies, Interférences mobilises city-dwellers, audiences and artists around projects that activate collective creation, foster dialogue and generate new practices.

10 artistes africains venus de 5 pays — Sénégal, Kenya, Côte d'Ivoire, Ghana, Afrique du Sud — ayant en commun une génération cosmopolite marquée par une culture artistique révolutionnée par le digital. Une trame commune, fiction d'une réalité temporelle alternative : Elsewhen. Un bus aveugle, menant dans un lieu tenu secret.

Une constellation de figures créatives et inclassables — auteurs, vidéastes, photographes, artistes d'installation, designers, créateurs sonores — chacun interprète Elsewhen à travers son prisme, donnant corps à un récit qui se ramifie en micro-histoires exprimant un univers de possibilités.

Avec : Bogossi Sekhukhuni, Paul Sika, Jonathan Dotse, Jim Chu Chu, Blitz l'Ambassadeur, Mamadou Diallo, Blinky, Selly Raby Kane, Ibaaku.

Un projet réalisé grâce au soutien de l'Ambassade des USA à Dakar, la Mairie de Dakar, Big World Cinéma et Design Indaba (Afrique du Sud).

10 African artists from 5 countries — Senegal, Kenya, Côte d'Ivoire, Ghana, South Africa — sharing a cosmopolitan generation shaped by an artistic culture revolutionised by digital technology. One common thread, the fiction of an alternative temporal reality: Elsewhen. A blind bus, leading to a secret location.

A constellation of creative and uncategorisable figures — authors, filmmakers, photographers, installation artists, designers, sound creators — each interpreting Elsewhen through their own lens, giving body to a narrative that branches into micro-histories expressing a universe of possibilities.

With: Bogossi Sekhukhuni, Paul Sika, Jonathan Dotse, Jim Chu Chu, Blitz l'Ambassadeur, Mamadou Diallo, Blinky, Selly Raby Kane, Ibaaku.

A project made possible with the support of the US Embassy in Dakar, the City of Dakar, Big World Cinéma and Design Indaba (South Africa).

Dans une esthétique afrofuturiste et un esprit « comics » cartoonesque, l'installation était centrée autour d'une pieuvre géante de 10m de haut, autour de laquelle gravitaient de nombreux figurants habillés par les stylistes invités Doulcy et Baye Souleye, et une trentaine d'insectes géants créés par Bass Design. Les visiteurs traversaient l'installation avant d'arriver au podium situé sur les rails du train. En arrière-plan, la silhouette de danseurs électro installés sur un immense échafaudage se découpait au rythme des sons futuristes d'Ibaaku.

In an afrofuturist aesthetic and a cartoonesque "comics" spirit, the installation centred around a giant ten-metre octopus, around which gravitated numerous performers dressed by invited designers Doulcy and Baye Souleye, and thirty giant insects created by Bass Design. Visitors crossed the installation before arriving at the podium set on the train tracks. In the background, the silhouette of electro dancers installed on an enormous scaffolding was silhouetted to the futuristic sounds of Ibaaku.

Un conte philosophique pour un Minotaure des temps modernes, une arche de Noé futuriste, où se mêlent philosophie, mythologie et science-fiction, dans une mise en scène « afro-pop » empreinte de surréalisme et de poésie. Sous la direction artistique de Les Petites Pierres, African Spacecraft est un opéra transdisciplinaire associant la musique, la mode, la danse, les arts de la parole et les arts visuels — et l'aboutissement du programme WAPI, une dynamique de détection et de professionnalisation des jeunes talents de la scène émergente, initié en 2008 en collaboration avec le British Council et la Fondation Sonatel.

A philosophical tale for a Minotaur of modern times, a futuristic Noah's ark, where philosophy, mythology and science-fiction intertwine in an "afro-pop" staging steeped in surrealism and poetry. Under the artistic direction of Les Petites Pierres, African Spacecraft is a transdisciplinary opera combining music, fashion, dance, spoken word and visual arts — and the culmination of the WAPI programme, a dynamic of detecting and professionalising young talents from the emerging scene, initiated in 2008 in collaboration with the British Council and the Sonatel Foundation.

Une trame invisible à l'œil nu se déploie au-delà de la structure bâtie. La valeur de l'expérience du don et du contre-don, au-delà de sa dimension relationnelle, nous ramène au niveau le plus essentiel des rapports entre les hommes. Nous qui traversions chaque jour ces mêmes lieux — leur odeur, leur musique a changé. Une subtile et poétique expérience qui montre bien que transformer le monde commence par transformer sa manière d'habiter le monde. Le projet a été intégré par L'Escif dans son premier livre autopublié, Elsewhere — qu'il décrit comme « an encyclopedic archive of images, poetry, and resistance ».

An invisible thread, imperceptible to the naked eye, unfolds beyond the built structure. The value of the experience of gift and counter-gift, beyond its relational dimension, brings us back to the most essential level of relations between people. We who crossed these same places every day — their smell, their music has changed. A subtle and poetic experience that shows how transforming the world begins with transforming the way we inhabit it. The project was integrated by L'Escif into his first self-published book, Elsewhere — which he describes as "an encyclopedic archive of images, poetry, and resistance".

Le Souffle de la Mère-Terre · Texte de Maya Varichon El Zanaty · 13e Biennale de Gwangju, Minds Rising, Spirits Tuning, 2021

Un jour d'enfance, Seyni s'aventura dans la forêt avec ses frères, allant y chercher du bois mort, tout comme chaque jour leur mère, qui était potière, le leur demandait. Ils avaient tous les quatre une dizaine d'années : une fratrie de quadruplés qui alors entourait Seyni d'une fertile abondance de vie. Mais ce jour-là, Seyni disparut et malgré les recherches de toute la famille, puis de tout le village, resta introuvable, seule au milieu de la grande forêt. Elle n'en ressortit miraculeusement qu'une semaine plus tard, un morceau d'argile dans la main.

Ce n'est qu'avec le temps et avec d'infinies précautions que Seyni accepta de distiller les secrets que la forêt lui confia durant cette mystérieuse excursion. Ce qui advint alors, elle ne le révèle que par le langage de l'argile, terre ancestrale et sacrée qu'elle mue depuis lors en majestueuses créatures cosmiques.

L'œuvre de Seyni Camara forme un récit cosmologique, construit selon une grammaire bien précise. Chaque élément de son travail est codé comme un alphabet dans lequel toutes les formes et images, composées d'ancêtres et de descendance, de figures paternelles et maternelles, de frères aînés et cadets, d'êtres humains, non-humains ou sur-humains, sont les composantes élémentaires d'une représentation métaphysique de l'univers centrée sur la notion de famille dans sa conception la plus élargie. Elles révèlent un monde prospère et joyeux, unifié par un principe maternel solaire. Elles racontent l'existence d'un « nous » céleste et sacré, à l'origine et à la fin de tout.

La dimension spécifique des pièces met en lumière différentes échelles de présence au monde : les représentations humaines et semi-humaines sont de petite taille ; par contraste émergent des figures remarquables par leurs dimensions, appartenant aux représentations supra-humaines, parmi lesquelles le symbole récurrent d'une grand-mère mythologique, ancêtre nourricière, fondatrice de l'univers, emblème de la terre de fertilité et d'abondance qu'est la Casamance natale de l'artiste.

Elles incarnent la prospérité du vivant, fruit de l'union des ancêtres avec leur descendance illimitée et solidaire, trame tissée entre les vivants, les morts et les générations futures, entre les dimensions féminines et masculines, entre le monde visible et celui de l'invisible. Encerclés dans le sein matriciel, la descendance apparaît comme principe fraternel, dont les bras, mains et pieds s'enchevêtrent selon des motifs précis, structurés comme les écorces d'un arbre ou les écailles d'un poisson.

La vie villageoise et le rôle qu'y jouent les femmes au quotidien informe également la composition des œuvres : femmes enceintes, allaitant sans relâche tandis qu'elles transportent de l'eau ou des fagots de bois sur la tête, figurent le courage laborieux des femmes de Casamance — ses mères, grand-mères, sœurs, filles et petites filles — emblèmes de force et de fertilité généreuse, émanations singulières du principe féminin premier auquel Seyni Camara donne corps et âme à travers son œuvre.

The Breath of Mother Earth · Text by Maya Varichon El Zanaty · 13th Gwangju Biennale, Minds Rising, Spirits Tuning, 2021

Once upon a time of childhood, Seyni ventured into the forest with her brothers, fetching dead wood, as their mother, who was a potter, asked them to do every day. All four of them were about ten years old: a sibling group of quadruplets who surrounded Seyni with a fertile abundance of life. But that day, Seyni disappeared and despite the searches of the whole family and village, she was nowhere to be found, alone in the great forest. She only miraculously emerged a week later with a piece of clay in her hand.

Only with time and infinite precautions did Seyni distil the secrets that the forest confided during this mysterious excursion. What happened then, she reveals only through the language of clay — the ancestral and sacred soil she has since turned into majestic cosmic creatures.

Seyni Camara's work forms a cosmological narrative constructed according to a precise grammar. Each element is coded like an alphabet in which all forms and images — ancestors and descendants, paternal and maternal figures, elder and younger siblings, human, non-human and super-human beings — are the elementary components of a metaphysical representation of the universe centred on the notion of family in its widest conception. They reveal a prosperous and joyful world, unified by a solar maternal principle. They tell of the existence of a celestial and sacred « we », at the origin and the end of everything.

The specific dimension of the pieces highlights different scales of presence in the world: the human and semi-human representations are small in size; by contrast, figures emerge remarkable for their dimensions — super-human representations, among which the recurring symbol of a mythological grandmother, a nurturing ancestor, founder of the universe, emblem of the land of fertility and abundance that is the artist's native Casamance.

They embody the prosperity of the living, fruit of the union of the ancestors with their unlimited descendants, a woven fabric between the living, the dead and future generations, between feminine and masculine dimensions, between the visible and invisible worlds. Encircled in the matrix womb, the descent appears as a fraternal principle, whose arms, hands and feet interlock according to precise patterns, structured like the bark of a tree or the scales of a fish.

Village life and the role that women play in it also informs the works: pregnant women, breastfeeding tirelessly while carrying water or bundles of wood on their heads, represent the laborious courage of the women of Casamance — their mothers, grandmothers, sisters, daughters and granddaughters — emblems of strength alongside generous fertility, singular emanations of the primary feminine principle to which Seyni Camara gives body and soul through her work.